Pintor

Yayoi Kusama

Yayoi Kusuma es una artista japonesa con tribulaciones mentales que la llevaron a encarar alucinaciones que inspiraron su trabajo.

Su infancia fue turbulenta debido a la extraña relación entre sus padres, ella cuenta en su autobiografía (un best-selleren Japón) que su padre sostenía relaciones con geishas y que obligaba a su madre a observarlo. Kusuma siempre fue consciente de sus patologías mentales.

En los años sesentas decidió mudarse a Nueva York para estar cerca de la psicodelia y el arte pop, ahí se relaciono con artistas como Andy Warhol y creó su serie más trascendental llamada “Infinity Net” en la que colocaba puntos de manera rítmica en escenarios cotidianos. Pocos años después se regresó a Japón e ingresó de forma voluntaria en un hospital psiquiátrico.

En 1994 comenzó a crear esculturas y a transmitir ese sello propio de su visión del mundo y el universo. Sus obras son conceptuales y tienen diversos temas como la expresión de gestos y medios que aparecen a través de una densidad física y conceptual.

Su trabajo ha sido reconocido tanto en Japón como en diferentes partes del mundo y su obra consta de una gran variedad, desde performances, instalaciones hasta poesía y moda.

Se podría decir que su firma más característica es la de los lunares rojos, verdes y amarillos con los que forra mucha de obra y las que dice que expresan la tierra, el sol y la luna.

En realidad su visión del cosmos se minimiza en esa expresión de puntos en los que se expresa todo lo que ella ve, alucina y crea.

En la actualidad se han hecho varias retrospectivas sobre su obra y se ha rescatado su obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, en Pompidou en París,  en Whitney Museum en Nueva York y recientemente en una nueva exposición que va a pasar por Latinoamérica, comenzando por Buenos Aires en el Malba, pasando por Brasil y llegará hasta México presentando su “Obsesión Infinita” a partir del 25 de septiembre.

Kusuma vive en Tokio en dónde tiene su estudio de trabajo aunque se hospeda en el hospital psiquiátrico. Hace poco tuvo una intervención con la marca debolsas y moda Louis Vuittonpara colocar su diseño en los aparadores de su nueva colección.

El arte de Kusuma es uno de los ejemplos de lo que una mente original puede hacer, de la relativización y de la definición de locura.

Rotkho y su arte abstracto

“Lo bello es aquello que sin razón place, es aquello que no necesita un sentido, necesita representación y no necesariamente tiene un fin” (Manuel, Kant, apuntes personales de Critica del Juicio, S.XVIII).

La ideología de nuestra sociedad urbana parte de la necesidad de“comprenderlo todo”, puede ser porque parece que no soportamos la experiencia sobre aquello que no podemos controlar, que nos rebasa . Cuando “entendemos” algo, lo “dominamos” y lo hacemos nuestro a manera de concepto para no correr el riesgo o no permitirnos correr el riesgo de vivir en la indeterminación.

Este poder de razonamiento nos hace alejarnos de la parte intuitiva del cuerpo, de sentir y experimentar sin explicarlo.

La obra de Mark Rothko es una experiencia visual, tiene algo más que mostrar o explicar sobre las cosas, su arte es uno que existe mientras sea visto.

Mark Rothko fue uno de los artistas más influyentes delexpresionismo abstracto, nació en Letonia en 1903, se mudó a Nueva York en 1910 cuando todavía era un niño, lugar donde después de varios años falleció por suicidio(1970).

Al  igual que otros artistas comoKandinsky, Duchamp yMondrian, ofreció una visión desde otro lugar para la consideración de lo bello en el arte. Rothko se salió del trabajofigurativo y expresa y plasma “la forma sin forma” a través del color en la obra posterior.

Cuando uno se para frente a los cuadros de Rothko, cuando uno los percibe, puede sentir la viva emoción del pintor, los coloresson la fuerza material, ya no son una cosa abstracta, son la fuerza misma de la pintura.

En el 2006 tuvimos la oportunidad de tener a Rothko en México, fue el Museo de arte moderno (MAM) quién se encargo de traerlo a nuestro país, aunque la exposición fue temporal.

El único museo mexicano que cuenta con una pieza de Rothko es el Museo Tamayo.

El término Bohemio

El término “bohemio” es mencionado por primera vez por el autor romántico Henri Murger, mismo que se recuerda por su obra “La vida bohemia” que presenta una serie de esbozos románticos y realistas de costumbres sociales de los escritores mediocres y harapientos de París. La historia termina con la muerte de una prostituta enamorada del protagonista. Fue tal el éxito de la obra, que la palabra “bohemio” obtuvo el significado que tiene ahora del estilo de vida extravagante, pobre, sablista e ingenioso de un artista que puede ser pintor, escritor, cineasta, actor, etc…

El origen de la palabra alude a la cultura de los gitanos que se llamaban tradicionalmente “bohemios” en Francia y se refería a un modo de vivir de ciertos sectores que tenían valores diferentes a una sociedad sedentaria y burguesa, en particular artistas e intelectuales.

El término de Murger fue el que sitúo a lo “bohemio” en los cafés poco de moda donde se escondían los artistas de los burgueses, en los que se discutían temas sobre tendencias, ideas políticas y pensamientos de cultura y arte. El mismo Murger decía “no existe el bohemio fuera de París”.

Este mundo bohemio permitió que una rama en la literatura que se mantenía al margen floreciera; los llamados “poetas malditos” fueron un ejemplo de estos intelectuales y artistas incomprendidos en su momento histórico. Este movimiento o moda dio como resultado que se entendiera el poco éxito de algunos poetas como una señal de un posible gran talento. Pues las reglas del arte o las convenciones sociales se contradecían con estos artistas que buscaban encontrar el sentido del arte puro.

Ahora el término se usa para designar al artista despreocupado, desordenado que va en contra de la sociedad ostentosa y materialista por lo que el ser “bohemio” le permite ser fachoso y menospreciar los valores adquisitivos de las personas de alta sociedad.

Esto los mantiene en un plano de superioridad ante las masas y les permite dedicarse por completo a sus pasiones que pueden ser filosofar, crear artísticamente, enriquecerse intelectualmente e interesarse por diferentes manifestaciones culturales.

Cine y surrealismo

El cineasta surrealista David Lynch

En ocasiones nos preguntamos sobre el valor de una película que no tiene tema, o que su historia no se cuenta con un hilo conductor común. Y es que estamos acostumbrados a las mismas estructuras que se nos han presentado desde las primeras historias que se han contado desde el primer uso del lenguaje tal como lo conocemos en la biblia o en la mitología.

En esa ruptura de estructuras se ubica el caso de David Lynch, un artista especial, de esos pocos que han habido en la historia, y muy pocos en nuestra época, que cuenta con una estética y percepción del mundo única y personal y lo más importante, que es capaz de transmitirla por completo a sus espectadores.

David Lynch nació en Montana, Estados Unidos en 1946, es director, guionista y hasta productor de música electrónica. Desde sus inicios mostraba esa admiración y pasión por el dadaísmo y el surrealismo.

En un ámbito en el que es difícil romper con estructuras se aventuró a presentar su cine en Hollywood, con una calidad narrativa que va más allá de las historias que se pueden contar, mostró películas que exploran y juegan con las emociones del que las ve. Siempre muy atento a la música y arte que acompañan sus escenas, va creando una montaña rusa que va desde el extrañamiento, la tristeza, el misterio, la ironía y el suspenso entre otras sensaciones.

Algunas de sus películas más conocidas entre los cineastas especializados y aquellos que se aventuran a entrar en su mundo de sueños están Mulholland Dr., Blue Velvet, Lost Highway y su serie Twin Peaks.

Ahora presenta un poco más de su arte con una exposición en Los Angeles de sus dibujos, pinturas y acuarelas en una manera que sólo se puede describir usando su nombre “Lynchiana”, palabra que utiliza Brett Littman, autor del ensayo para el catálogo de la galería. La colección se llama “Naming” y está llena de su firma de lo absurdo y la simpleza estilística, que como siempre, nos deja cuestiones sin resolver y muchas emociones encontradas.

Aquí les mostramos un poco de su más reciente trabajo.

Origami

El origami viene de la cultura japonesa. Se trata del arte hecho por papel, que consiste en estar doblando el papel hasta conseguir figuras.

En este arte solo se permite el uso de las manos y el mismo papel. Con esto se van obteniendo distintas formas, áreas y volúmenes.

Su palabra viene de vocablos japoneses "oru" (plegar) y "kami" que designa alpapel.

Según su filosofía, el origami aporta calma y paciencia para la persona que lo practica.Se pueden llegar a desarrollar la destreza, exactitud, precisión manual y fortalecer la creatividad y la autoestima con creaciones propias.

Este arte de origen japonés consiste en plegar el papel para hacer diferentes figuras sin utilizar tijeras o pegamento.

Normalmente, se hacen formas de animales, flores y hasta figuras mitológicas.

Su origen se remite a la antigüedad, dos siglos después del invento del papel en China a. C. es cuando se comienza a hacer estos dobleces del papel.  A Japón llega hasta el siglo VI.

En sus inicios el arte de hacer origami se relacionaba sólo con las clases altas ya que el papel era escaso. Doscientos años después, en el período Muromachi, el papel se vuelve lo suficientemente barato para todos, aunque su total democratización ocurre hasta el siglo XVII.

Los sintoístas, seguidores de una religión que rinde culto a las fuerzas de la naturaleza y a los antepasados, usaban mariposas de papel en sus ritos matrimoniales como un símbolo de unión íntima y amor constante.

Las figuras clásicas del origami provienen desde el Período Edo que consta del año 1600 al 1898, éstas eran grullas, libélulas, mariposas, ranas y monos. Para este período el origami ya había perdido su sentido religioso y había adoptado uno de diversión.

En general, a lo largo de los años, la tradición del origami se transmitía de padres a hijos. La primera recopilación que se hizo fue hasta 1845 titulada “Kan no modo” . Esto hizo que la tradición se divulgara y llamara la atención de los musulmanes, que después de ser expulsados no cesó el uso de este arte en España. El origami se expandió por todo el mundo con las expediciones de Colón.

Poco a poco, el origami ha ido evolucionando con diferentes aportaciones como las de Akira Yoshisawa que inventó una simbología ampliamente aceptada hasta ahora.

También esta Robert Lang, el cual gracias a la computación y matemáticas, ha hecho de este arte algo mucho más complejo.

Ahora el origami se ha difundido considerablemente gracias a los medios de comunicación que ayudan a que ciudadanos de diferentes países a que pertenezcan a sociedades de origami internacionales. Los videos en internet han divulgado técnicas nuevas que nos hacen pensar que es en la actualidad que se vive la época de oro del origami.

¿Qué es diseño?

Diseño podría decirse que es el acto de creación mental de la figura que se va a querer formar con los papeles.

¿Qué es una estructura?

Es la creación física de la idea que se tenía sobre el objeto que se quería formar con el papel.

¿Qué es un módulo?

Módulo se refiere a las partes con las cuales se forma la figura deseada del origami, hechas de tal forma que calce su ensamblaje.

¿Qué es un sistema?

Es la forma en la que se relacionan los módulos para crear la figura.

¿Qué significa estructurar un material?

Consiste en ir aplicando la idea básica del diseño para ir dándole forma a la figura así como crear los módulos de cierta forma para que se vaya creando la figura.

¿Qué es la apibilidad en diseño?

Se trata de ir apilando las piezas de la figura para ir dándole la forma deseada.

¿Qué es encastre?

Se refiere a ir encajando los módulos para ir haciendo el cubo de la forma que se tenía prevista.

¿Qué es seriabilidad?

Es ir creando un mismo módulo varias veces para que luego esas piezas encajen en otra más grande.

¿Qué es estandarización?

Es ir creando las piezas en base a una misma medida.

¿Qué es función?

La función es la misión o el objetivo que se le va a dar a la figura ya terminada.